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1.3.18

Berlín 1933. El incendio del Reichstag


Soy de los que en ocasiones se plantean o se paran a pensar, cuando ocurre una desgracia de grandes dimensiones, quien puede ser el principal beneficiado de dicha tragedia. Pasa a menudo, incendios en bosques, guerras en países subdesarrollados, alarmas de virus o gripes de las que siempre, pero siempre hay alguien que saca buena tajada de ello.
El otro día ojeaba un libro sobre los orígenes, auge y posterior caída del nazismo en Alemania y cómo no, en ese libro se narraba el célebre incendio en el Reichstag, es decir, lo que era la sede del parlamento Alemán a comienzos de los años 30.
Ocurrió concretamente un 28 de febrero de 1933, cuando Hitler apenas llevaba un mes  escaso en el poder elegido democráticamente por el pueblo Alemán. Oficialmente, según las autoridades competentes, un albañil comunista que se encontraba en paro prendió fuego al parlamento Alemán,  con lo cual, para gozo del recién estrenado canciller, esto le dio poderosas razones para suspender todos los derechos civiles y pasarse la constitución por el forro.
El 28 de febrero de 1933, cuando aún las llamas del Reichstag no se habían extinguido desde la noche anterior, Adolf Hitler dictaba un decreto que entre otras perlas, suspendía la libertad de expresión, de asamblea y de prensa y que permitía la encarcelación, sin juicio, de cualquiera, fuese de la ideología que fuese, que se atreviera a oponerse al partido Nazis. Ese mismo día, sin ir más lejos, fueron detenidos más de 5000 comunistas.
Todo aquello no dejaba de tener un tufillo de manipulación, pero a ver quien era el atrevido que osaba denunciarlo.¿Serían los propios Nazis los que idearon el incendio del Reichstag y buscaron a un culpable idóneo para dicho hecho?
 La euforia y rapidez con la que reaccionó Hitler y sus acólitos apenas unas horas después de que el presunto pirómano fuera detenido por las autoridades, fue de alguna manera  el comienzo del funcionamiento de la terrible maquinaria Nazi y lo que vendrían después, hasta el final de la Segunda guerra mundial en 1945.
Se suspendieron nada menos que siete artículos constitucionales, precisamente los que protegían los derechos humanos, las libertades de reunión, de asociación, de opinión y de prensa. Y con todos estos derechos y libertades fundamentales quitadas de un plumazo, Hitler tuvo la libertad para detener a quien le diera la gana, en un mes escaso que llevaba como canciller, sometió a Alemania a todos sus deseos. Comenzó a encarcelar a ciudadanos, todos supuestos comunistas, y como las cárceles se le empezaron a quedar  muy pequeñas con toda esa afluencia de presos, fue entonces cuando comenzó la oscura historia de los campos de concentración.
Apenas tres meses después del incendio del Reichstag, ya había privadas de libertad en estos campos más de 25.000.  
Y mientras la terrible sombra de la Alemania Nazi se extendía, Europa ni se percataba de la gravedad del asunto. El  que fuera presunto autor del incendio del Reichstag, el albañil en paro, un holandés de nombre Marinus van der Lubbe, fue ejecutado en la guillotina tres días antes de cumplir 25 años. El 10 enero de 2008 fu anulada la sentencia de Lubbe, en virtud de una ley aprobada en 1998, que permitía la rehabilitación de algunos condenados por la justicia nazi entre 1933 y 1945. El tribunal justificó la anulación de la sentencia por las conclusiones injustas específicamente nacionalsocialista en que se había basado el fallo de diciembre de 1933. 
Habían pasado setenta y cuatro años desde el incendio del Reichstag. 

22.2.18

Forges


Es curioso, ayer hablaba de las sugerencias literarias de Juan Cruz y hoy vuelve a aparecer. Y es que fue ese día precisamente. Ese día, en el cual volvía dando un paseo desde el parque del retiro, después de haber pasado una fantástica jornada en la feria del libro de hace un par de años, 2016. Entre stands de diversas editoriales, en esas que topé con el genial y prolífico periodista Canario que me brindó una breve y amena charla sobre el servicio de correos en su juventud y adolescencia y con toda la amabilidad del mundo me dedicó su libro de entrevistas "Toda la vida preguntando", donde hace un amplio repaso a  algunas de sus entrevistas a personajes tales como Francisco Ayala, María Zambrano, Vargas Llosa, García Márquez, Caro Baroja o Günter Grass entre otros.
Ver la feria del libro de Madrid a fondo requiere algo de tiempo, con lo cual y aunque me quedaron muchos stands por ver, las horas pasaron con la velocidad con la que suelen pasar cuando estás pasándolo bien.
Y fue justo cuando pasaba por Cibeles cuando me crucé con él. No puede ser, es Forges, nada más y nada menos. Paseando en solitario por la acera, tranquilo, sin prisas, como si nada o nadie le preocupara o tal vez estuviera pensando en su próxima viñeta, quien sabe. ¿Cómo me dirijo a él?, pensé. Señor, Caballero, perdone, me permite, me hace el favor, sería tan amable.
Y al llegar a mi lado, sin pensarlo dos veces le dije, -Antonio, buenas tardes. ¿Me permite una foto con usted?. -Claro, que sí, faltaría más, me dijo amablemente.
Madrid, es enorme. Un viernes por la tarde suele estar atestada de gente y más junto a la Cibeles. Pues bien, no se me ocurrió otra cosa que pedirle a un señor mayor que pasaba junto a su señora que hiciera el favor de fotografiarnos a lo que accedió también con toda la gentileza del mundo.
-¿Cómo va esto?. -Pues verá, mire usted la pantalla y dele ahí donde está la camarita.
-OK, ya está. -Muchas gracias caballero. Me devuelve el teléfono y ¡¡horror¡¡ Sólo se ve el dedo de este buen señor que lo ha plantado en mitad del objetivo.
Puf, ¿qúe hago?, ¿cómo no me voy a fotografiar con Forges si lo hice el otro día con el risitas en Punta Umbría?
Perdone, Antonio, es que no ha salido bien, ¿permites otra?-Pues claro hombre, tranquilo, no pasa nada.
-Verá caballero, pille usted el movil por aquí e intente no poner el dedo en el medio.
-Creo que ya está. -Muchas gracias. Miro el movil y aunque ya si que salimos el genial Forges y yo se sigue viendo el dedo del señor a un lado. Bueno, edito y fuera.
En ese momento, creo, fue cuando el buen señor que me hizo la fotografía se dio cuenta de a quien estaba fotografiando y absorto en la sorpresa le dijo.-Sepa usted que es un honor haberle hecho una foto. Le dijo con una enorme sonrisa en la cara.
Gracias Antonio. Le estreché la mano y simplemente le dije, -A seguir bien. Forges continuó su camino, el matrimonio mayor el suyo y yo me quedé editando la foto para fardar de con quien me había encontrado y con quien me había hecho una foto.
Hoy ,Forges ha muerto a la edad de 76 años en Madrid, víctima de un cancer de páncreas. Juan Cruz le ha dedicado un bonito y emotivo artículo en El País. Estoy más que seguro que el señor que me hizo la fotografía se habrá acordado hoy de ese momento. Y yo me quedo con la enorme satisfacción de haberle dado la mano a un referente del humor gráfico de este país que supo criticar la injusticia desde la ternura y la genialidad.
“Todas las generaciones nos creemos que somos importantísimas para la inteligencia de la humanidad. Siempre tendemos a ver el mundo desde nuestro punto de vista. Yo no me siento emigrado a una nueva cultura, yo soy parte de esa nueva cultura. A mí la tecnología no me da miedo y creo que es una de las ventajas que tenemos en la búsqueda de la libertad”. (Forges)

21.2.18

El dulce sabor de la venganza

Ocurrió una mañana del pasado verano, en una terraza Onubense a la hora del desayuno. -El dulce sabor de la venganza, le decía mientras ojeaba el periódico, junto a un  zumo de naranja recién exprimido y el expreso bien cargado.
 -Esa satisfacción es lo que mueve el mundo, reconócelo, es lo que ha tentado a infinidad de personajes históricos a tomar la justicia por su mano mientras disfrutan del mal ajeno. Tú fíjate bien, si te enchufas un clásico policíaco de aquellos que ya sólo ves si te los descargas, porque ni en la 2 a las tres de la mañana los emiten, puedes comprobar que la venganza es lo que obsesiona a los anti héroes, a los nacidos para perder, los que saben que ni hay justicia ni hay Dios que ponga las cosas en su sitio, y mucho menos el tiempo, que dicen que también lo hace. Yo llevo treinta y cinco años esperando que el tiempo, Dios o algún ente actúe en mi favor, pero nada, aquí si no te mueves no cambian las cosas.
-Pero vamos a ver, le dijo su amigo mientras le observaba medio en broma, medio en serio. -A tu edad, ¿te crees James Cagney en "Contra el imperio del crimen"? Hay cosas contra las que no nos podemos enfrentar, está claro.
 -No es que me crea James Cagney. En todo caso me creería Cliff Robertson en "Bajos fondos", pero tampoco. Dicen que la venganza potencia el crimen, que en un gran porcentaje suele estar asociada con los asesinatos, tiroteos, trifulcas, peleas y demás. Mira Donald Trump, ¿por qué cojones te crees que semejante chalado ha llegado al poder? Por venganza. Pero no por su propia venganza. La venganza de los blancos patriotas, los de las barras y las estrellas pinchada en el jardín de su casa. Y mira al DiCaprio. ¿Por qué te crees que al final le han dado el oscar por "El Renacido"? Pues por lo mismo, por venganza. Hasta los cojones estaba ya de que si en la tabla de Titanic había hueco para los dos. No iba a dejar pasar la oportunidad de llevarse el galardón cuando la película trata sobre eso precisamente, venganza. Y fíjate la que arma el tío, que atraviesa montes, ríos y salta como James Bond para vengar la muerte de su hijo, y para compensar lo de la puñetera tabla. Que sí, joder, que cabían los dos, que lo he visto en Internet.
 -Y mira Edmundo Dantes. Eso sí que fue una venganza y lo demás coña marinera.
-¿Edmundo Dantes? ¿El de "El baile del pañuelo"?
- No, joder, ese era Leonardo, Leonardo danés, que por cierto conozco a un primo suyo que vive en San Vicente de Alcántara. -Joder, es que entre Leonardos, el Dicaprio y este, me estoy haciendo un lío de tres pares. -Edmundo Dantés, el Conde de Montecristo. ¿Habrás leído el libro de Alejandro Dumas?
-Pues no, creo que vi una película o miniserie hace años. Un tío que lo encierran en una mazmorra,¿no?
 - Sí, esa.¿y te parece poco motivo para escaparse y vengarse de los que lo metieron entre rejas hasta que las barbas le llegaron al suelo?
-Hombre,  no sé, no deja de ser una novela, película o serie.
-Da igual, la venganza, esa que no impone la justicia para compensarte de algo. En todas las sociedades antiguas, el principal método para disuadir asesinatos era permitir a la familia del asesinado vengarse del asesino. Es algo humano, va con nosotros desde que nacemos.
-Pues no sé que decirte ni que pensar de todo esto. Puede que la venganza sea humana, puede que haya quien encuentre un placer orgásmico en castigar a quien se ha portado mal contigo. Será todo lo humano que me digas, un mecanismo que ha ido evolucionando con nosotros desde que no existía nada que impartiera justicia. Lo será, pero creo que perdonar es aún más humano que la venganza.
Se levantaron de la mesa y se marcharon dirección a la playa. Nunca supe de qué se trataba dicha venganza ni si se llevó a cabo. Ni volví a verlos durante el resto del verano.

20.2.18

La presbicia de mi memoria

Resulta que un buen o mal día tienes que aceptar lo que llevas durante una larga temporada dejando pasar por alto, ignorando o sencillamente autonegando.
¿Yo, problemas de visión?  Imposible. Desde mi más tierna infancia he tenido vista propia de lince de Doñana, de águila imperial vigilando el Tajo a su paso por Toletvm, de buitre leonado que acecha a sus presas junto al salto del gitano en Monfragüe, de gato en la oscuridad de un tejado Londinense, de Nosferatu en el abismo de la noche, de Clark Kent desde lo más alto del edificio del Daily planet o de Robinson Crusoe oteando la inmensidad del mar subido a una palmera a la espera de una embarcación que lo rescate y lo devuelva a la civilización.
Pero llega ese día, de nuevo. Llega ese día en el que te sientas en un restaurante con tu chica, mesa para dos con acogedora música de fondo, reserva hecha un par de días antes, gentil y profesional camarero que te ofrece la carta que una vez más te cuesta trabajito leer. Es por culpa de esta tenue luz, dices mientras separas de tu vista las sugerencias gastronómicas impresas, hasta que consigues enfocar con más o menos nitidez el ceviche de atún y aguacate con vinagre de frambuesas, el arroz salvaje con verduras al pimentón de la vera, las carrilleras ibéricas estofadas con dátiles y chutney de mango y la pasión roja del jerte con merenguitos de postre, con un Habla de la tierra para no perder la buena costumbre de acompañar con un buen tinto de esta nuestra Extremadura.
Y la noche siguiente, continúas con tu sana costumbre de leer un ratito en la cama antes de dormir. Un poquito de historia, algo de ensayo, la última de Care Santos, Federico, que nunca me falla, ¡Ay que trabajo me cuesta, quererte como te quiero¡ o ese libro que te recomienda Juan Cruz, algún que otro día sobre las tres de la tarde. Pero también resulta que la luz de la lampara del techo ya no es suficiente, así que te compras un flexo led, de esos molones que te cuesta una pasta, con tres intensidades de luz para poder sumergirte muchas
noche más en mil y una historias y vivencias de diversos autoras y autores que te transportan a otros mundos incluso en ocasiones mucho más allá de la vigilia.
Pero ni con el flexo led en la intensidad tres puedes llegar a definir con claridad el negro sobre blanco. Será que me hago mayor. Será que los 40 pasaron veloces, como el deseo, fugaces como los sueños, intensos, tan intensos como efímeros.
La presbicia, me dicen, la presbicia, esa anomalía o defecto del ojo que aparece con la edad y que te impide ver con claridad los objetos próximos. Es curioso, porque a veces también creo tener presbicia en la memoria, pero no en la memoria próxima o inmediata, en esa memoria que se va emborronando poco a poco con el inmisericorde paso del tiempo, que va perdiendo nitidez y claridad y que a veces, como leer sin gafas, vamos distorsionando y cambiando a veces a antojo de lo que nos hubiera gustado. La presbicia de mi memoria me dice que ni con lentes voy a poder visionaria bien. Tal vez en algunas cosas, me esté haciendo un favor.

14.1.18

El corazón de Auschwitz

En mi reciente visita a la exposición sobre Auschwitz en Madrid, entre tantas historias tremendas de supervivencia y horror, me encontré entre los más de 600 objetos originales que componen la muestra, testigos directos de uno de los hechos de la humanidad más terribles y oscuros, con este librito en forma de corazón, todo un símbolo de la unión entre las prisioneras en aquel campo de la muerte. Fue elaborado, a pesar de los pocos medios y materiales de que disponía por Zlatka Pitluk, de nacionalidad Bielorrusa. En sus escasas páginas aún hoy puede apreciarse la firma y los buenos deseos, en polaco, alemán, francés y hebreo de otras 19 prisioneras en el cumpleaños de otra prisionera de nombre Fauna Fainer. Zlatka logró sobrevivir, de Fauna Fainer no se volvió a saber nada.
De los más de 1.3 millones de personas que fueron deportadas a Auschwitz-Birkenau desde diferentes puntos de Europa por el régimen nazi de Hitler, apenas se registró e internó en el campo a 400.000. Casi 1000.000 de prisioneros restantes fueron asesinados en la cámara de gay quemados en los hornos crematorios del campo en un plazo de apenas unas horas desde su llegada en tren dentro de vagones para el transporte de ganado.

17.10.17

De todos los seres vivos que he conocido.


De todos los seres vivos que he conocido, Federico es el primero. No hablo ni de su teatro ni de su poesía, hablo de él. La obra maestra era él. Me parece, incluso, dificil encontrar alguien semejante. Ya se pusiera al piano para interpretar a Chopin, ya improvisara una pantomima o una breve escena teatral, era irresistible. Podía leer cualquier cosa, y la belleza brotaba siempre de sus labios. Tenía pasión, alegría, juventud. Era como una llama. Cuando lo conocí, en la Residencia de Estudiantes, yo era un atleta provinciano bastante rudo. Por la fuerza de nuestra amistad., él me transformó, me hizo conocer otro mundo. Le debo más de cuanto podría expresar.
Jamás se han encontrado sus restos. Han circulado numerosas leyendas sobre su muerte, y Dalí, innoblemente, ha hablado incluso de un crimen homosexual, lo que es totalmente absurdo.
En realidad, Federico murió porque era poeta. En aquella época, se oía gritar en el otro bando: ¡Muera la inteligencia!
En Granada, se refugió en casa de un miembro de la Falange, el poeta Rosales, cuya familia era amiga de la suya. Allí se creía seguro. Unos hombres (¿de qué tendencia? Poco importa) dirigidos por un tal Alonso fueron a detenerlo una noche y le hicieron subir a un camión con varios obreros.
Federico sentía un gran miedo al sufrimiento y a la muerte. Puedo imaginar lo que sintió, en plena noche, en el camión que le conducía hacia el olivar en que iban a matarlo.
Pienso con frecuencia en ese momento.
Luis Buñuel. Mi último suspiro. (Memorias) 1982.

7.8.17

Narcos. Temporada 3



Una de las mejores y más exitosas series de los últimos años vuelve con una nueva temporada. Finiquitada la tremenda historia de Pablo Escobar, esta vez la trama de la serie se centra en el cartel de Cali, por lo que sigue situada en la siempre turbia Colombia. Algunos de los protagonistas que ya vimos en las dos temporadas enteriores vuelven a aparecer  como Pedro Pascal que interpreta al agente Peña y a Boyd Holbrook que da vida al agente de la DEA Steve Murphy. Al mismo tiempo hay nuevas incorporaciones y sobre todo, conocidos del cine y la televisión en nuestro país como las de Alberto Ammann o Javier Cámara y Miguel Ángel Silvestre, que interpretarán a miembros del famoso cártel de la droga Colombiana. Netflix, después del exitazo de las dos primeras entregas, ha vuelto a apostar por la historia de los narcotraficantes más célebres y sus circunstancias llenas de excesos y ya se anuncia una cuarta. El estreno será el próximo 1 de septiembre y para ir abriendo boca el espectacular trailer en el que nos avisa que "El día que Pablo murió, el cártel de Cali se convirtió en el enemigo público número uno. Se hicieron llamar los caballeros de Cali, los capos más grandes de la droga".

3.8.17

12+1


Siete títulos mundiales en la categoría de125 cc y otros seis en 50cc. Doce más uno, que no es lo mismo que trece. Ángel Nieto ha fallecido a los 70 años. Es curioso que alguien que ha batallado durante tantos años en el mundo de las dos ruedas, que ha sufrido de innumerables accidentes poniendo en juego su vida por esa pasión de la velocidad y esa codicia que tiene el querer ser el número uno en algo, haya perdido la vida fuera de las pistas, con otro vehículo hecho también para disfrutar, pero no de dos ruedas sino de cuatro. La historia del motociclismo Español, tan en auge en los últimos años, tuvo un pionero, un precursor, alguien que abrió camino a los que vinieron detrás y tanta gloria le dieron a este deporte.

2.8.17

Lorca: Un poeta en Nueva York


"Poeta en Nueva York" debería ser considerado patrimonio de la humanidad, o al menos patrimonio cultural de este país, que con frecuencia menosprecia a sus grandes poetas y escritores o el reconocimiento les llega demasiado tarde, tan tarde que en la mayoría de los casos esos autores no viven para verlo. El caso de Federico, durante cuarenta años, más reconocido y leído en el extranjero que en España, es otro de los muchos que a día de hoy, a pesar de la trascendencia de su figura y legado, sigue sin tener esa difusión que con orgullo deberíamos propagar por cada rincón de este país. El cómic "Lorca, un poeta en Nueva York" nos muestra una particular y excelente visión sobre la estancia de Federico García Lorca en esta ciudad Estadounidense. A través de los testimonios de sus allegados y de las cartas que el poeta Granadino escribía desde la gran manzana, seremos partícipes de todas las pasiones, inquietudes y obsesiones de Federico.
Fue un 25 de junio de 1929 cuando desembarcó del transatlántico Olympic, con la compañía de su amigo y mentor Don Fernando de los Ríos.
"Pararé en América seis o siete meses y regresaré a París para estar el resto del año. Nueva York me parece horrible, por eso mismo me voy allí", le escribió  algunos días antes de partir a Carlos Morla Lynch, añadiendo, "Tengo además un gran deseo de escribir, un amor irrefrenable por la poesía, por el verso puro que llena mi alma todavía estremecida como un pequeño antílope por las últimas brutales flechas". Federico llegó a la cosmopolita ciudad con la sana intención de reparar cierto desengaño amoroso y del rechazo de sus amigos Buñuel y Dalí, tras su extraordinario éxito en España de su "Romancero gitano"
 Aquellos días de Lorca en Nueva York, ciudad con mil diferencias tanto culturales como sociales a la España y más en concreto a la Granada de finales de los años veinte del pasado siglo otorgará a nuestro poeta de una visión de la vida sensiblemente distinta a la que había vivido hasta entonces.
Los sueños del nuevo mundo, la multiculturalidad de los emigrantes, los negros de Harlem, el Jazz...
Cuando Federico regresó a España, todos pensaron que parecía otro, nuevo, renovado, y hay quien dice que aquella luz especial de ese viaje a Nueva York, le acompañó hasta aquella madrugada de agosto entre Víznar y Alfacar.

EL autor: Carlos Esquembre (Valencia, 1985) músico y dibujante formado en la Escola Joso de Barcelona. Ha trabajado como ilustrador freelance y realizado storyboards para producciones audiovisuales en Dacsa producciones, Timelapse creative Agency y Rimores Factory.
Su primera incursión en el cómic tuvo lugar en 2013, cuando se autopublicó "The body", un tebeo de ciencia ficción donde unos diminutos sanitarios son introducidos en el interior de un cuerpo humano enfermo. Además de eso, también ha participado en la antología "Visiones del fin", publicada por Aleta en 2015, pero "Lorca: un poeta en Nueva York"es su primera novela gráfica.

1.8.17

Mis infames favoritos del cine. Hoy: Apollo Creed


 Hoy comienzo una serie de publicaciones sobre unos personajes del mundo del cine que siempre me han fascinado. Los malos de la película. Y es que malos de la película los hay de muchos modos y maneras. Están los malos perversos, los malos atormentados, los sádicos, los terroríficos, los malos torpes de las comedias, los malos redimidos, los ángeles caídos y muchos más. No hay película que se precie que no tenga su malo. Algunos de ellos han pasado a la historia del cine con mucha más trascendencia que el héroe del film.  En muchas ocasiones hemos soñado en ser el malo de la película antes que el protagonista edulcorado y bonachón y nos ha dado una profunda rabia que ese villano muerda el polvo sin llevar a cabo sus más diabólicos planes. Otras, sin embargo, hemos odiado con todas nuestras fuerzas al malo y hemos echado toda nuestra ira en ellos deseando que su final sea cruel y doloroso, cosa que en ocasiones múltiples no sucede por el buen corazón del protagonista de la película.
Y comienzo hoy en referencia al post de ayer con la figura de Apollo Creed. Aunque convendría aclarar que el personaje de Apollo Creed sufrió una transformación desde su aparición a su dramática muerte. Comenzó como un tipo arrogante, narcisista, ambicioso,  provocador, burlón y prepotente que haciendo alarde de su generosidad ofrece un combate con el título mundial en juego a un desconocido boxeador de segunda categoría llamado Rocky Balboa. Todos, en esa primera película dirigida por John G. Avildsen le deseamos una dura derrota frente a Rocky, que efectivamente se produjo pero en la segunda parte de las aventuras y desventuras del potro italiano e in extremis.
Después, pasó a convertirse en mentor, consejero y entrenador en las horas más bajas del púgil de Filadelfia tras la muerte de Mickey, y posteriormente en su mejor colega el cual finalmente fallece a manos de otro malo malote de la saga, Iván Drago, el expreso de Siberia, que también tendrá espacio en este blog en breve.
Apollo Creed estuvo interpretado por el actor Carl Weathers en las cuatro primeras películas de Rocky. Hace un par de años, una especie de Spin off, aunque yo no la llamaría así, nos presentaba a el hijo ilegítimo del campeón de los pesos pesados siguiendo la estela de su padre en el mundo pugilístico y contando con la inestimable ayuda de, ¿quien si no? Rocky Balboa, continuando así el legado del apellido Creed que según parece tendrá una continuación más, de momento, en la gran pantalla. Estaremos atento a Adonis Creed Johnson, heredero además de sus dotes como boxeador, del orgullo irracional de su padre que no le lleva a buen puerto en ocasiones.

31.7.17

Rocky


"Rocky" tal vez sea una de esa películas que con el paso de los años se ha ido menospreciando, salvo que seas seguidor de toda la vida de Stallone y no te pierdas ni una de sus películas.  Y es que reconocer que es una obra maestra y que está dentro de las 100 mejores películas de la historia del cine es jodido sólo porque lleva el sello Stallone.  Fué a medidados de los años 70 cuando un desconocido actor italoamericano llamado Sylvester Stallone sobrevivía como podía aceptando papeles secundarios en diversas producciones. Con 30 años ya cumplidos, su futuro en Hollywood no era muy esperanzador. Una noche se  sentó frente al televisor para ver un combate de boxeo. El mítico Muhammad Alí le había dado la posibilidad a un púgil de escasa categoría, Chuck Wepner, para que optase al título mundial de los pesos pesados. Wepner no sólo no hizo el ridículo frente a Alí, sino que lo puso contra las cuerdas y le supo aguantar todos los asaltos con corazón y coraje. Este combate inspiró a Stallone para escribir el guión de "Rocky". Anteriormente, ya había escrito más de una veintena de guiones que habían terminado en una pilastras con otros cientos de guiones en los despachos de diversas productoras.
El guión de "Rocky" le costó sólo tres días escribirlo y tenerlo preparado y lo presentó en la oficina de los productores Irwin Winkler y Robert Chartoff a los cuales no les disgustó la idea que proponía Stallone. Estos le dijeron que se podía llevar a cabo con un presupuesto bastante reducido y contar como protagonista con algún actor célebre de la época, así que le barajaron la posibilidad de nombres como Burt Reynolds, Ryan O´neal o incluso Robert Redford, pero Stallone quería protagonizar la película lo que llevó a que Winkler y Chartoff se lo pensaran durante unas semanas pero al final accedieran.
Desde un principio la idea era que la dirección corriera a cargo de John G. Avildsen, cosa que finalmente se produjo, el cual venía dirigir a Jack Lemmon en "Salvad al tigre" y al anteriormente nombrado Burt Reynolds en  la comedia "Un caradura simpático" El periodo de rodaje de "Rocky" duró apenas los meses de febrero y marzo de 1976, principalmente en Filadelfia y Los Angeles con un  presupuesto total que no llegó al millón de dólares. Sylvester Stallone que no había practicado nunca el boxeo aprendió con el entrenador profesional Jimmy Gambina el cual se encargó también de la coreografía de los combates, tanto el inicial en la parroquia como el combate por el título mundial contra el campeón Apollo Creed interpretado por Carl Weathers. Fue la primera ocasión en la que se utilizó el Steadycam, sistema por el cual se permitía moverse con soltura al operador de cámara por el cuadrilátero.
La historia de Rocky Balboa fue un éxito apabullante en todo el mundo. Reacaudó más de 60 veces el dinero que había costado, llegando al número uno de los films más taquilleros de aquel año. fué galardonada con el Oscar a la mejor película, mejor director y montaje. Stallone fue nominado al mejor actor principal y al mejor guión, cosa que hasta esa fecha sólo habían logrado mitos como  Charles Chaplin por "El gran dictador" y Orson Welles por "Ciudadano Kane".
"Rocky" sirvió además para que Stallone se convirtiera en una de las estrellas más célebres de Hollywood, status que aún conserva más de 40 años después. Los productores Winkler y Chartoff vieron una mina de oro en la película y enseguida se pusieron manos a la obra para la elaboración de una segunda parte. Mención especial merecen los secundarios de la película como Burguess Meredith en el papel del viejo entrenador refunfuñón Mickey, Talia Shire como Adrian y Burt Young como Paulie.
La música a cargo de Bill Conti, también nominad al Oscar,
ha traspasado fronteras y décadas y quien más y quien menos ha hecho deporte alguna canturreando la melodía del tema principal.
Rocky, un personaje entrañable que nos ha acompañado en la infancia, en la adolescencia, en la juventud y hasta en la madurez. Gonna fly now¡¡

Este post está dedicado a mi primo Joserra al el que le inculqué "sin querer" la saga hace ya muchos años.

30.7.17

El tiempo acaba con todo




-¿Era bueno?
-¿Quién?,¿Apollo? Fantástico, el boxeador perfecto, no ha habido nadie mejor.
-¿Y cómo le ganó?
-El tiempo le ganó, el tiempo acaba con todo, es implacable.


Creed, La leyenda de Rocky (2015) Dirigida por Ryan Coogler

28.7.17

Siempre nos quedará Casablanca


Hay películas que permanecen a través de los años, las décadas, las modas, la tecnología, los VHS, los láser disc, los DVD, los Blu ray, internet, las descargas, los canales de pago y actualmente hasta a la serie manía.
Cuando ves "Casablanca" por primera vez y ya conoces algo de su mito y su leyenda, todo se vuelve magia, todo son momentos maravillosos e inolvidables, algunos piensas ya haberlos vividos y sientes estar allí, junto a Rick, en su legendario e icónico café. Casablanca lo tiene todo, o casi todo: un guión magistral, unas interpretaciones fantásticas, una fotografía que cautiva, una puesta en escena inenarrable, una música que sencillamente te transporta, aventura, trama bélica, espionaje, drama, comedia, romance,mucha emoción y tensión a raudales. Fue a principios de los años los 40 cuando uno de los peces gordos de la poderosa Warner, Hal B. Wallis, recibió en su despacho una por aquel entonces obra teatral inédita, y aún por estrenar, que se titulaba "Everybody comes to Ricks", firmada por Murray Burnett y Joan Allison  donde ya se plasmaba las principales ideas y lineas argumentases de lo que luego sería la inmortal "Casablanca".
  Al productor desde el primer momento le pareció una historia más que interesante para ser llevada a la gran pantalla y decidió darle luz verde a este proyecto con la primera intención de que fuera dirigida por el ya prestigioso William Wyler, el cual ya había dirigido cintas como "Cumbres borrascosas" o "Jezabel" y que años más tarde dirigiría clásicos como "Vacaciones en Roma", "Horizontes de grandeza" o "Ben-Hur". Para protagonizar "Casablanca" en un principio pensó en Ronald Reagan, quien casi 40 años después sería presidente del gobierno de Estados Unidos y Ann Sheridan. La película no iba a ser nada más que una producción menor de la Warner, rodada en blanco y negro y con un presupuesto bastante menor que el de otras producciones de la época. 
Varios guionistas se pusieron manos a la obra sin que ninguno pudiera darle una forma definitiva, así que fue pasando por varias manos sin esclarecer el final. Ya que la película se rodaría en  muy pocas semanas, con un presupuso más bien escasito y sin un despliegue de medios estelar, Wallis cambió de idea en la dirección y se lo propuso a Michael Curtiz. También decidió, afortunadamente, cambiar a la pareja protagonista por Humphrey Bogart e Ingrid Bergman,  la cual trabajó en calidad de cedida al estudio por David O. Selznick. Ahora esto de las cesiones lo conocemos mucho en temas futboleros, pero como vemos ya se daba por aquel entonces en la meca del cine.
 "Casablanca" se comenzó a rodar  un 25 de mayo de 1942, en plena segunda guerra mundial. El guión definitivo aún no estaba concluido al comienzo del rodaje, aunque más o menos todos sabían de que iba la trama, pero aún había algunas secuencias que estaban por escribir. Seguían sin un final definitivo. 
 Para Curtiz no suponía ningún tipo de inconveniente trabajar sin estar aún concluido el guión y prácticamente sobre la marcha pues ya lo había hecho en otras ocasiones, pero para los actores sí que suponía una molestia ya que en bastantes ocasiones tenían que memorizar el guión apenas unos minutos antes de cada jornada de rodaje lo que generaba más de una tensión con todo el equipo. La realización de "Casablanca" fué toda una improvisación continua desde el principio del rodaje hasta el final. Por lo visto, Michael Curtiz, era un tipo un tanto serio y de pocas palabras, pero supo resolver todos los problemas que surgían sin generar ningún tipo de dramas, lo que posibilitó un ambiente de rodaje bastante distendido. Por aquella época en Estados Unidos, ya existía la prensa sensacionalista, pero la Warner no se molestó en en desmentir algunos rumores que empezaron a publicarse sobre un posible romance entre los protagonistas , lo que generó que Mayo Methot que por aquel entonces era la esposa de Bogart, se presentara de imprevisto en el estudio en muchas ocasiones para comprobar in situ si su marido se la pegaba con la guapa Ingrid Bergman, la cual desmintió por completo esos rumores años después declarando que sí, que besó a Bogart pero que nunca llegó a tener con él una relación más allá de la laboral sin tan siquiera llegar a conocerle.
La película se rodó casi al completo  en los estudios Burbank, aprovechando los decorados que habían sido usados para películas como "The desert song" o "La extraña pasajera". "Casablanca" se terminó de rodar un 3 de agosto de 1942, finalmente fue el propio Wallis quien improvisase el mítico e inigualable final de la película. Aún así todavía se tuvieron que filmar algunas tomas sueltas que faltaban para completar la película, por lo que el estreno se retrasó hasta principios de 1943.
 El éxito de "Casablanca" arrollador y apabullante. Al público de la época le gustó tanto la historia de Rick e Ilsa, que salían de los cines pidiendo una continuación de la historia. Hoy en día no hubiese tenido una continuación, hubiese tenido varias. La warner llegó incluso a planificar esa esperada segunda parte pero uno de los principales inconvenientes fue que David O. Selznick declararó que no cedería a Ingrid Bergman para una segunda parte de "Casablanca". Hoy en día tampoco hubiese supuesto un problema. Otra actriz y punto. Al final, como todos sabemos, nunca llegó a producirse., aunque recuerdo que a comienzos de los 90 llegó a hablarse de esa continuación, lógicamente ya sin Bogart ni Bergman y con Alain Delon en el papel de Rick. Tampoco llegó a buen puerto ese proyecto. Mucho mejor que no se llevara a cabo. De "Casablanca" se puede comenzar a escribir y no terminar nunca. Frases inolvidables, escenas ya mitificadas, un canción que todo el mundo conoce "As time goes by" e incluso un "Tócala de nuevo Sam" que Bogart nunca dijo.  Para muchos, la mejor película de todos lo tiempos. Yo, cada vez que la vuelvo a ver, creo que el final no va a ser ese y que Ilsa finalmente....bueno, me lo reservo por si hay alguien que a estas alturas aún no la haya visto, y por supuesto le invito a que lo haga ya que sentirá que con "Casablanca" está forjando el principio de una gran amistad.

27.7.17

El Bar

Álex de la Iglesia, como cualquier buen director que se precie, tiene su propio sello personal, que como suele pasar con todos los estilos personales, de cualquier género, ya sea cultural o social, o te encanta o  no te gusta un pelo. La películas de Alex de la Iglesia se suelen caracterizar por contener ese coctel que nos tomamos todos los días al salir a la calle, crítica social, un tipo de humor un tanto sádico y a veces absurdo y personajes de lo más corrientes, esos que nos encontramos todos los días en la parada del autobús, en el ascensor, en el supermercado o en el bar echando un cafetito mañanero o una cerveza a mediodía. 
 Álex de La Iglesia lleva más de veinticinco años creando algunas de las películas más tremendamente divertidas y un pelín excesivas del cine español empezando con su debut en “Acción Mutante” la inolvidable “El día de la bestia” y “La comunidad”  que a mi gusto son las tres obras más representativas de este director, que como todo director prolífico ha tenido épocas de altibajos, “Crimen Ferpecto”, ”Las brujas de Zugarramurdi", ”Balada triste de trompeta” o “Mi gran noche “ no tuvieron la acogida o la buena recepción de las anteriores, pero tampoco suponen una mancha en su filmografía.
"El bar" no deja de ser una película coral, en la que un grupo de personajes, algunos no se conocen entre ellos, quedan atrapados dentro del típico bar madrileño que te puedes encontrar a miles en la capital, tras presenciar el asesinato de uno de los clientes en la misma puerta. 
A partir de ahí comienza el ritmo endiablado de Álex de la Iglesia, con un devenir de situaciones de lo más variopintas, hasta, un final en lo que prima es la propia supervivencia del ser humano.
Protagonizada por Blanca Suarez, Secun de la Rosa, Terele Pávez, Mario Casas y Jaime Ordoñez (La mejor interpretación de todas) entre otros, llenan casi dos horas de trepidantes momentos que bueno, a mi modo de entender esto del cine, pasas una entretenida y amena velada, que al fin y al cabo, es de lo que se trata.

26.7.17

El gabinete del doctor Caligari

"El gabinete del doctor Caligari", dirigida por Rober Weine en 1920  es una de esas joyas más que indispensables del cine. Esta película marcó la llegada de un nuevo estilo de cine Alemán carcaterizado por el expresionismo, aunque a decir verdad, yo esto del expresionismo nunca lo he tenido claro del todo.
 ¿Qué es el expresionismo?, ¿expresar exageradamente? ¿La expresión subjetiva  sobre la representación de la objetividad?, ¿o tal vez una especie de distorsión de la realidad?. Habría que entrar con cierta profundidad no ya sólo en un estilo de cine, sino en todo un estudio psicológico para tal vez, no llegar a ninguna conclusión clara.
 Sea expresionista o no lo sea, lo cierto es que esta película casi cien años después sigue siendo todo un referente del cine de la época. El guión, escrito por Hans Janowitz y Carl Mayer después de la primera guerra mundial, relata una historia de terror sobre un loco, un sonámbulo y una serie de asesinatos sin resolver. La película se divide en seis actos en los que nos cuentan las circunstancias del Dr. Caligari, interpretado por Werner Krauss y su misterioso compañero Cesare (Conrad Veidt) en una pequeña localidad Alemana, engalanada por la llegada de una feria, pero a la vez aterrorizada por algunos asesinatos acaecidos recientemente.
 El productor Erich Pommer, que se convertiría en una figura esencial en aquel movimiento expresionista, decidió financiar la película, quiso a Fritz Lang como director pero este no aceptó, aunque sugirió un potente marco narrativo que en la escena final se dejará claro que toda la película era la visión de un loco. La demencia se insinúa en la iluminación de alto contraste, el decorado de formas irregulares, las expresivas interpretaciones y sobre todo en el maquillaje de los actores. Conrad Veidt, afirmó  años después que los actores expresionistas se movían con la misma contundencia crispada que tenían los decorados.
Tal vez, la película, vista a día de hoy, no tenga el mismo significado que tuvo en su día. Tal vez el miedo o terror que pueda o pudiera infundir entonces, no era nada más que el temor que tenía el pueblo Alemán en un periodo entre las dos guerras, con la inminente llegada del fascismo en un momento de crisis social y económica.
"El gabinete del doctor Caligari", sugestiva y siniestra, pero tremendamente inolvidable.

25.7.17

Freddie y Monserrat nunca cantaron juntos en Barcelona 92


Se cumplen nada menos que 25 años de los juegos olímpicos de Barcelona. Un cuarto de siglo, más de media vida vivida. Durante este tiempo quedaron atrás muchas vivencias, amores, fracasos, triunfos, experiencias, lugares, personas que se fueron, amores que llegaron, personas que llegaron, que se quedaron, años de trabajo, de madurez, canas que salieron y en definitiva, y sin querer extenderme en todo lo que dan de sí dos décadas y media, ya lo iré haciendo en este resurgir definitivo del blog, que para eso lo cree un buen día, el inmisericorde paso del tiempo.
Pues bien, muchos nos acordamos donde estábamos aquella tarde de Julio de 1992, donde vimos la ceremonia inaugural y cómo nos maravilló aquel impresionante espectáculo visual que fusionaba tradición y lo más moderno de la cultura teatral de la época.
Y claro, hubo música, actuaciones de grandes figuras de la ópera como José Carreras, Plácido Domingo, Teresa Berganza y Joan Pons entre otros que interpretaron piezas de óperas clásicas como El Barbero de Sevilla o Rigoletto.
Entre estas estrellas de la ópera también se encontraba la diva Monserrat Caballé, pero no, no interpretó el tema "Barcelona" junto a Freddie Mercury. El tema "Barcelona" sonó por megafonía instantes antes de comenzar la cuenta atrás que daba comienzo a la ceremonia.
¿Pero cómo es posible? Dicen algunos. Si yo recuerdo haberlos visto, y lo bien que lo hicieron. Que sí, que sí que cantaron, dicen otros. Además está el video en Youtube y cuando quieras te lo enseño.
En fin, esta es una discusión que he tenido no una, varias veces en estos 25 años. Y uno, Queenero empedernido, tiene que o bien, dar explicaciones, una vez más, o dejar que ese falso recuerdo siga en un rincón de la mente del susodicho o susodicha en cuestión.
Y es que efectivamente hay video de una actuación en directo, que tampoco era directo porque hacían Playback, en Barcelona y con el holograma de los JJOO en el escenario, pero ni era el estadio Olímpico de Montjuic ni fue en 1992.  No fue tampoco un año antes de morir la estrella de rock, como se ha atrevido a publicar hoy una prestigiosa publicación nacional. Un año antes de morir, Freddie ya estaba muy enfermo y si es cierto que continuó trabajando, pero en privado con su compañeros de Queen, grabando algunos videoclips del disco "Innuendo" y en el estudio de grabación de Montreux algunos fragmentos de canciones que vieron la luz algunos años después en el disco póstumo "Made in heaven".
La actuación en cuestión se celebró un 8 de octubre de 1988, es decir, cuatro años antes, en la avenida de María Cristina de Barcelona, donde se celebró un concierto de gala llamado "La nit" con motivo, eso sí, de la preparación de los JJOO, donde también actuaron artistas como Eddie Grant, Spandau Ballet, Jerry Lee Lewis y el bailarín clásico Rudolf Nureyev, que también falleció de SIDA en el año 92.
Eso es todo, no hubo más, salvo que un año antes ya habían interpretado el tema "Barcelona", también en playback, en el desaparecido club Ku de Ibiza.
Freddie Mercury falleció en Noviembre de 1991, las causas y razones de su muerte todo el mundo las conoce ya a estas alturas y lógicamente no pudo estar en aquella ceremonia inaugural de los JJOO de Barcelona en Julio de 1992, como hubiera sido su deseo y hubiera sido el deseo de muchos.
Así que si alguna vez os encontrais a alguien que recuerde la actuación de Freddie y Monserrat en la ceremonia inaugural de aquellos juegos olímpicos, pues asentid y decid que sí, que fue bonito y así no le estropeáis un recuerdo excepcional que tiene y a que a muchos nos gustaría también tener.

24.7.17

Le Tour de France


Sigo el Tour puntualmente cada mes de Julio desde 1983, con sus luces, con sus sombras, con sus gestas, con sus épicas, con su leyenda. Con sus protagonistas y secundarios, los que alcanzaron la gloria y los que apenas recuerdan tan sólo unos cuantos sesudos de la carrera. Me gusta porque  el Tour porque es una batalla abierta, un toma y daca y un pulso con el brazo izquierdo que no tiene fin. Disfruto y sufro porque es inmisericorde con los ciclistas, los machaca y los maltrata desde el principio hasta el final. Me apasiona porque los ciclistas parecen disfrutar con esa condena de 21 días. Me gusta porque aún muchos años después sigo viendo a Perico Delgado, Anselmo Fuerte, Marino Lejarreta o a aquella promesa Antonio Martín, que un conductor imprudente mató una mañana en una carretera, en la etapa del día, como una imagen intemporal que se cuela cada tarde.
Veo el Tour y sueño con estar una calurosa tarde del mes de julio en una de esas cunetas de los altos de Alpe d´huez, el Tourmalet o La croux de Fer. Me gusta el Tour porque todos empujamos a Indurain en cada una de aquellas míticas batallas Alpinas de principios de los 90. Veo el Tour cada tarde a pesar de que me cueste a veces permanecer despierto tras una larga jornada laboral, contemplando esos verdes paisajes con el soniquete del helicóptero de la televisión Francesa de fondo.
 Veo el Tour porque he disfrutado con mi tocayo Contador, cuando ganaba y ahora que no lo hace. 
Veo el Tour a pesar de que todos sabíamos que Armstrong era un farsante desde el principio y lo injusto que es que no le otorguen a Joseba Beloki una de las ediciones en la que quedó segundo detrás del tramposo Americano.  Veo el Tour y al día siguiente de su finalización cuando ya no está en la televisión en directo me siento como si me hubieran dejado tirado por momentos,  pero sabes que un buen día, cuando seamos un año más viejos, volverá de nuevo, con sus luces, con sus sombras, con sus gestas, con su épica y con su leyenda.

23.7.17

Brooklyn Follies


"La gente siente lo que siente. ¿Quién soy yo para decir si aciertan o se equivocan?"
Brooklyn Follies (Paul Auster)

21.7.17

Star Wars. Episodio VIII. Los últimos Jedi. Posters promocionales.

Imágenes promocionales del episodio VIII de Star Wars, Los últimos Jedi.
Como suele suceder en este tipo de producciones, la publicación tanto de carteles, fotogramas o teaser trailers de la película se van sucediendo con cuentagotas ya que hasta el próximo 15 de diciembre no es el estreno mundial. Pues nada, esperaremos la fecha para ver si Rey es entrenada por Luke y aprende a ser guiada por los caminos de la fuerza. Al mismo tiempo se prepara, ya en pleno rodaje, otra película sobre los comienzos de Han Solo. El universo Galáctico no para de deparar nuevas historias. Estaremos al tanto.



20.7.17

Lon Chaney, el hombre de los mil rostros



Contar la historia de Lon Chaney es contar la historia de la la primera estrella del cine de terror. Su vida, como la de muchas otras estrellas de principios del siglo XX, está cargada de innumerables elementos dramáticos que bien podrían ser llevados a la gran pantalla.  Nacido en 1883 en Colorado Springs, era el segundo de cuatro  hijos varones de padres sordomudos en un entorno extremadamente humilde, donde la enfermedad y la muerte solían llamar a las puertas de su casa con bastante insistencia.  El mito y la leyenda, aunque sobre todo su personalidad, han convertido con el paso de los años a la figura de Lon Chaney, en algo más que un misterio. Se dice que no pronunció una sola palabra hasta la edad de ocho años, pues se comunicaba con sus padres mediante el lenguaje de signos y por mímica, algo que fué determinante y característico en su talento de sus posteriores interpretaciones en el cine mudo de la época.
 Tenía  tan sólo diecinueve años cuando contrajo  matrimonio con una joven y talentosa  cantante de nombre  Cleva a quien conoció en Oklahoma en 1905 y tan sólo al año siguiente tuvieron un hijo al que llamaron Creighton, el cual años más tarde sería conocido como Lon Chaney Jr. Tras una breve estancia en Chicago, se mudaron a Los Ángeles, cumpliendo su deseo de vivir en la costa oeste.
Al poco tiempo de llegar Lon consiguió un trabajo como comediante, cantante y bailarín junto a dos cómicos Alemanes con los que trabajó durante una temporada en San Francisco. Durante esa etapa matrimonio se fué degradando poco a poco y en San Francisco la situación se volvió insoportable. Allí su mujer, Cleva, disfrutó de un gran éxito  desarrollando su profesión como cantante y fue muy requerida en las mejores salas de la ciudad , eclipsando completamente la fama incipiente de su marido. En estos años comenzaron los excesos con el Alcohol y empezó a beber demasiado. Lon acusó a su mujer  no sólo de descuidar a su hijo, sino también de serle infiel. Finalmente se divorciaron en 1914.  
Anteriormente,  en 1912, Chaney acudió a Universal Estudios donde su amigo Lee Moran le consiguió sus primeros trabajos en el mundo del cine, apareciendo sobre todo en comedias de la época hasta que en 1915 se convirtió en un miembro habitual de la Universal.  Muchos años después en una entrevista para un programa de televisión en 1969, su hijo Lon Chaney Jr. describió la vida laboral de su padre en esos primeros días: "Solía ​​sentarse en una sala de los estudios Universal y entonces un asistente de dirección salía y preguntaba: "¿Alguien aquí que pueda interpretar a  un chaval universitario?": Mi padre decía el primero: "Sí, yo puedo interpretar a un chaval universitario". Luego volvían a salir y preguntaban: "¿Quién puede interpretar a un chino?". Y el que siempre llevaba su propio maletín de maquillaje y no había nadie que pudiera transformarse en tan poco tiempo decía: "Sí, puedo interpretar a un chino."Y en unos instantes se convertía en un chino, al que interpretaría durante diez minutos. Después un griego, más tarde un negro, y así se tiraba durante varios días interpretando a cuatro o cinco personajes diferentes en pocas horas".

En 1918 su sueldo era de solamente 5 dólares en la Universal . Así que habló con el  director del estudio, William Sistrom, y le pidió un aumento de sueldo de 125 por semana más contrato de cinco años. Según Chaney, Sistrom le dijo que conocía a un buen actor cuando lo veía , pero que al mirar directamente a Chaney sólo veía a uno del montón. Así que Chaney se fue de Universal Estudios. A medida que las semanas de búsqueda de un  empleo se fueron convirtiendo en meses, Chaney llegó a pensar que Sistrom tal vez tuviera razón, pero antes de que las cosas se convirtieran en desesperadas,  William S. Hart. Hart que había visto a Chaney en algunas de sus primeras películas de Universal, le ofreció una papel como villano en uno de sus westerns llamado Riddle Gwane . Chaney disfrutó trabajando con Hart que a diferencia de muchas otras estrellas de la época, esperaba que sus co-protagonistas  actuaran de verdad en lugar intentar cosechar toda la gloria.
Tras ese trabajo, las cosas comenzaron a mejorar para Chaney. Llegaron más trabajos en nuevas películas e incluso comenzó a trabajar para Universal de nuevo. Después llegó la asignación que cambió su carrera entera, y el momento en que Chaney fue completamente consciente de su potencial como actor. El director George Leone Tucker le había pedido que actuara en una película llamada "The Miracle Man" (1919). Tucker le describió a Chaney los diversos papeles que había en la película, incluyendo el del lisiado que jugó un papel tan determinante en su historia. Chaney de inmediato pensó que todo su futuro dependía de conseguir ese papel de Lisiado.
"The Miracle Man" fue un exitazo y Chaney y Tucker se convirtieron en amigos íntimos. Planearon varios proyectos futuros juntos. Chaney incluso había pensado en dirigir una de las producciones de Tucker, pero su muerte repentina dejó a Chaney profundamente desolado.  La siguiente película de Chaney fue "The Penalty" (1920) en la que interpretó a un asesino sin piernas. El director, Wallace Worsley, quería conseguir el efecto mediante ángulos con las cámaras,  pero Chaney diseñó una especie de arnés de cuero en el que ató las pantorrillas de sus piernas contra sus muslos y caminó sobre sus rodillas. Éste fue el primero de los muchos papeles en los que se sometió a una auto-tortura atroz para lograr un efecto deseado, muy efectivo y creíble y que quedó en su reputación como algo masoquista.

Para su papel en "El jorobado de Notre Dame"  dirigida por Wallace Worsley en 1923, se adaptó fielmente a la descripción  del personaje de la novela de Victor Hugo, tanto que más tarde fue criticado de  haber exagerado el maquillaje para la caracterización. Para ello llevó una joroba de goma excesivamente pesada, atada a un arnés de cuero y unos cojines de tal manera que no podía caminar erguido. Por encima de todo este armatoste llevaba un traje de goma color carne y piel cubierto con pelo de animal. El calor dentro del traje era tan insoportable que estaba continuamente empapado de sudor.
Su caracterización para  "El Fantasma de la Ópera" dirigida por  Rupert Julian en 1925, fue otro ejercicio de auto-tortura. Para la mítica escena donde la niña interpretada por Mary Philbin se arrastra detrás del fantasma y le quita la máscara , uno de los grandes momentos en la historia de las películas de terror, Chaney insertó un dispositivo en la nariz que separaba las fosas nasales y levantaba la punta de la nariz para producir la apariencia de un especie de cráneo desnudo. Hizo hincapié en este efecto con unos dientes postizos a los que se les añadían otros pequeños dientes que llegaban a hacerle heridas en los extremos de sus labios. A la vez usó discos de celuloide en su boca para distorsionar sus pómulos con mayor eficacia.
a preocuparme".
¿Había alguna razón en particular para someterse a estos autocastigos? No se tiene constancia de ello Al fin y al cabo, nadie le obligaba a pasarlo realmente mal cada vez que se metía en uno de estos tremendos personajes, pero la prensa de la época le dio cierta repercusión a este aspecto. Aparte de estos personajes del cine de terror, Chaney actuó en "Tell It to the Marines"  dirigida por George W. Hill en 1927, en la que interpretaba a un duro sargento militar sin maquillaje y sin caracterizaciones. De lo que no hay duda es que los excesivos esfuerzos por hacer creíbles a todos esos personajes fueron minando la salud de Lon Chaney progresivamente.  Las primitivas lentes de contacto que utilizó para simular la ceguera dieron lugar a que la vista también se le deteriorara y tuviera que usar gafas en su vida cotidiana. Así mismo, los artefactos, armatostes y plataformas que muchas veces diseñó y usó para distorsionar su cuerpo terminaron afectando a su espina dorsal. Lo mantuvo en secreto hasta después de aparecer en "The Unknown" (Tod Browning, 1927), en el que interpretó a un hombre sin brazos que tenía la habilidad de lanzar cuchillos con los dedos de los pies. Para este personaje Chaney llevó puesta una camisa de fuerza tan fuertemente atada que le produjo severos dolres en los brazos. al terminar el rodaje de esta película declaró que cada vez le costaba más caracterizarse de este tipo de personajes porque le afectaba a la espina dorsal y el problema ya era bastante preocupante.
En 1929 Chaney comenzó a tener problemas con su garganta. Mientras filmaba "Thunder"  dirigida por William Nigh,  una película sobre el mundo del ferrocarril de la época ambientada en el Noroeste de Estados Unidos, un trozo de nieve artificial  entró en su garganta y la empeoró aún más. Chaney fue ingresado en el hospital e intervenido de amígdalas, pero la garganta seguía causándole dolorosas molestias. A pesar de ello, en 1930 filmó su primera película sonora "The Unholy Three"  dirigido de nuevo por Tod Browning, que fue un remake de otra versión muda del año 1925. Chaney era algo reacio a realizar películas sonoras porque esta novedad cinematográfica había terminado con la carrera de otras estrellas del cine mudo, no ya por el hecho de que al escuchar la voz de estos actores esto  decepcionara al público, sino más bien porque  esto significaba el fin de su especialidad: la pantomima como arte de expresión.  Pero no fue el caso de Chaney, el público y la crítica quedaron tan impresionados por la versatilidad de Chaney con su voz como lo habían sido con la de su cuerpo. En esa película Chaney imitó la voz de una anciana, la de un ventrílocuo y su maniquí, la de una niña, e incluso la de un loro. Hasta firmó una declaración jurada en la que afirmaba realizar esta variedad de voces que fue utilizada como material publicitario de la película.

Cuando el rodaje de la película concluyó, viajó a Nueva York, donde consultó a varios especialistas de  garganta.  Allí descubrieron que tenía cáncer, aunque no se  lo dijeron. Chaney regresó a su lugar de descanso, una cabaña de montaña que tenía en California, donde esperaba que un largo descanso mejorara su salud, pero ocurrió todo lo contrario ya que sufrió una neumonía lo que deterioró aún más su estado del cual ya no se recuperó.  Murió en el hospital el 6 de agosto de 1930, a la edad de 47 años, como resultado de una hemorragia en la garganta.  Ironías de la vida, en sus últimos días perdió totalmente la voz y se vio obligado a volver al lenguaje de señas que había usado cuando era niño para comunicarse con sus padres.

Por desgracia, muchas de las películas de Chaney de todos los períodos de su carrera, la más célebre de ellas, "Londres después de la medianoche" (1927) se han perdido sin que conste que haya una sola copia de ella, aunque es casi seguro que en alguna filmoteca a lo largo del mundo se conserve, más bien en un lamentable estado, alguna de ellas. En cuanto a las películas que se conservan sobre todo las de la MGM, muchas se deterioran en almacenes y permanecen sin restaurar, sin  ni tan siquiera ser vistas y mucho menos editadas en DVD o Blu-ray.  Esto es  más que sorprendente, dada la enorme popularidad, el mito y la leyenda de Lon Chaney. Si Chaney hubiera vivido, habría protagonizado, y de hecho estaba firmado, el papel del famoso conde en la primera versión sonora de "Drácula" en el año 1931, dirigida una vez más por Tod Browning. Película que finalmente protagonizó Bela Lugosi. Ahora ya sólo podemos imaginar lo emocionante  que pudo haber sido la interpretación  de este personaje por Lon Chaney. Es de suponer y estoy totalmente convencido que "El hombre de mil caras" podría haberle puesto cientos de voces a una carrera de actor ya distinguido en el cine mudo que no hubiera desmerecido absolutamente nada en una etapa sonora que no  pudo consolidar.

19.7.17

Londres después de medianoche


"Londres después de medianoche" tiene parte de ficción y parte de realidad. Para los que somos aficionados tanto a la buena lectura, como al cine clásico, como al cine de terror, supone todo un homenaje emocionante y sorprendente.
La parte de ficción es la trama que con habilidad y maestría nos detalla su autor, Augusto Cruz.  La parte real es la de la historia de la película perdida, del mismo título del libro, y que ha sido objeto de búsqueda e investigación por infinidad de aficionados no sólo al cine, también a las historias malditas y con un cierto halo malvado y perverso. No se conserva ninguna copia de dicho film, al menos que se sepa, ya que la última de ellas  desapareció en 1967 en un incendio de uno de los almacenes de la Metro Goldwin Mayer.
 La novela de Augusto Cruz nos cuenta como Mc Kenzie, agente del FBI retirado y hombre de confianza de J.Edgar Hoover, es contratado por el famoso coleccionista Forrest Ackerman para investigar el paradero de la primera película americana de vampiros, el filme más buscado de la historia, "Londres después de medianoche", película  muda del año 1927 dirigida por Tod Browning, (director entre otras del clásico de 1931"Drácula" con Bela lugosi), con el mítico Lon Chaney como protagonista, que en España se tituló "La noche del espanto" Todo apunta a que la última copia se perdió a finales de los años sesenta, sin embargo, un enigmático joven afirma haber asistido recientemente a una proyección privada.
La leyenda asegura que "Londres después de medianoche" trajo la desgracia a sus actores porque en ella actuaban vampiros reales, que los cines que la exhibieron se incendiaron y que aquellos que la buscan desaparecen. Mc Kenzie, que no cree en maldiciones se lanza a la peligrosa misión de encontrar la película.

El autor:
 Augusto Cruz Nació en 1971en Tampico (México). Ha cursado talleres de guionismo cinematográfico en México y UCLA, así como el Masterclass en Dirección del Sindicato de Directores de México. Colaborador de Etiqueta Negra y La Nave, ha obtenido premios o becas por parte del CIGCITE, del Instituto Tamaulipeco para la Cultura y las Artes y del Centro de las Artes de Oaxaca. Desde hace unos años abrió una panadería en su ciudad natal, donde entre una generación y otra de panes exquisitos, escribe novelas de aventuras con un innegable sabor literario. "Londres después de medianoche" es su primera novela.

18.7.17

Las alas de Wellman


 William Wellman llegó a Hollywood después de combatir en la primera guerra mundial en la legión extranjera de Francia y poco después como habilidoso aviador en la escuadrilla Lafayette. Su amigo y ya por aquellos años estrella de cine Douglas Fairbanks le consiguió trabajo como actor y más tarde realizó labores de ayudante de dirección. Finalmente, en 1923 dirigió su primera película. Perfeccionista al máximo, consideraba que la interpretación obsesionaba al actor consigo mismo. Durante las siguientes cuatro décadas, escribió, dirigió y ocasionalmente produjo una media de dos películas al año.
A Wellman se le conocía por su trato duro con los actores, y hasta se dice que llegó a poner al mismísimo John Wayne en su sitio. Veía la diversidad visual como la clave de la integridad cinematográfica y adaptaba su estilo de filmación al contenido de cada película. En "Incidente en ox-Bow" trasmitió la claustrofobia de la mentalidad de la masa usando primeros planos muy cerrados, mientras que en "Alas" colocó cámaras en cazas para captar la vertiginosa realidad de los combates aéreos de la época, algo totalmente novedoso por aquel entonces. "Alas" evoca la violencia y la camaradería de la vida militar con particular realismo.
Wellman pensaba que las películas servían para entretener y que él no pretendía hacer arte, pero las escenas de combate de "Alas" revela su tendencia al uso de planos largos. Wellman volvió a explorar sus recuerdos de guerra con la película "La escuadrilla Lafayette" en 1958, pero los considerables cortes que le impusieron los jefes de los estudios lo decepcionaron tanto que terminó abandonando el mundo del cine. Fué el primero en ganar el óscar a la mejor película.  Lanzó la carrera de mitos como James Cagney y Gary Cooper y dirigió nada menos que 76 películas, algunas tan legendarias como "El enemigo público", "Caravana de mujeres", "Beau Geste" o la primera versión de "Ha nacido una estrella". Falleció en Los Ángeles en 1975 a la edad de 79 años.

17.7.17

La lealtad


Esta podría ser otra de esas historias que a estas alturas de la vida uno no recuerda ya si la leyó en algúnos de esos libros espontáneos que caen en mis manos, si se la contaron en una de aquellas espléndidas e interminables noches veraniegas de finales de los ochenta, o tal vez principios de los noventa. O sencillamente la imaginó en cualquier momento o en cualquier lugar de los que han formado parte de mi vida en todo este tiempo. O la viví en primera persona.  Lo dicho, que la memoria es frágil en algunas ocasiones.  O puede que si,  que sepa y recuerde donde la leí o quien me la contó, o si me ocurrió y la olvidé temporalmente, pero ya no importa, o no resulta relevante.
Y así fué como ocurrió esta, tal vez, verídica historia que hoy me he decidido a contar, la de un tipo que una buena tarde le apetecía escribir, como otras muchas, y no se le ocurría nada, cosa que según parece es como intentar cavar en el aire. Y en ese estado de zozobra y desazón se encontraba ese tipo, cuando apareció, o tal vez se le apareció, un amigo. -¿Qué estás escribiendo membrillo?, le preguntó el amigo.
-Pues la verdad, no tengo ni idea de qué escribir, dame una idea y si me es posible escribiré sobre eso.
-Pues a ver, déjame pensar...  la otra tarde estuve hablando con mi novia sobre la lealtad. Pues eso, escribe sobre la lealtad.
-Vale, te haré caso, intentaré escribir algo sobre la lealtad.
Y se puso a escribir de esta forma, modo y manera.
"Si te entregas a fondo sin dejar  jamás de ser libre, si siempre cumples todo lo que has prometido aunque cumplirlo en ocasiones sea complicado e incluso duela, si no dañas o lastimas aunque te lo hagan, si no mientes aunque a veces calles, si te vas cuando tienes que irte pero siempre te despides..."Aquí el tipo levantó los ojos del ordenador y puso cara como de no estar muy seguro de lo que estaba escribiendo".
-¿Voy bien, te gusta lo que he escrito?
-Pues, la verdad, no sé, suena un poco raro ¿no crees?
Entonces el tipo borró lo que había escrito anteriormente, y volvió a teclear de nuevo.
"Pase lo que pase seré siempre tu amigo. Aunque no nos veamos durante años,  aunque me pase meses sin llamarte por teléfono, aunque me cueste trabajo escribir un simple Whatsaap,  aunque olvide tu cumpleaños,  aunque alguna vez hubiera algún malentendido
o diferencia entre nosotros, siempre te recordaré con una sonrisa y te daré un abrazo de verdad cuando volvamos a encontrarnos y será como si no hubiese pasado un sólo día desde el último día que nos vimos".
-¿Te gusta ahora?, preguntó.
-Sí, me gusta, le contestó el amigo.-Pero ¿y que más?
Entonces el tipo sólo sonrió ligeramente, y el amigo ya supo lo que era la lealtad.

16.7.17

Yerushalayim shel zahav















Avir harim tsalul k'yayin
Vereiyach oranim
Nissah beru'ach ha'arbayim
Im kol pa'amonim

U'vtardemat ilan va'even
Shvuyah bachalomah
Ha'ir asher badad yoshevet
Uvelibah - chomah

Yerushalayim shel zahav
Veshel nechoshet veshel or
Halo lechol shirayich ani kinor

Chazarnu el borot hamayim
Lashuk velakikar
Shofar koreh behar habayit
Ba'ir ha'atikah